有哪些形容“罗马”的句子
术 文艺复兴首先发端于意大利，因为意大利有三个有利条件：其一，资本主义生产在意大利产生地比较早，商业、纺织业、银行业特别发达。
其二，有丰富的古代希腊、罗马的遗迹和遗物。
三是由于城市的兴起，意大利的科学和文学发展很快，为美术的发展提供了有利条件。
意大利文艺复兴美术的发展大体可以分为三个阶段：发端时期（13世纪末～14世纪）与早期（15世纪）、盛期（16世纪上半叶）、后期即危机时期（16世纪下半叶）。
公元12、13世纪意大利的佛罗伦萨、西埃那、威尼斯等城市随着经济的发展都逐渐形成了以城市为中心的市民世俗文化，艺术家们则表现出对古典艺术的关注，从13世纪后期开始，中世纪美术逐渐向文艺复兴美术过渡。
文艺复兴的发端时期，意大利最有名的两个画派是佛罗伦萨画派和西埃那派。
佛罗伦萨派的代表人物是乔托（Giotto)，西埃那派的主将为杜桥（Duccio）和马尔丁尼。
乔托（Giotto）被公认为是新与旧两个时代的“桥梁”，西方美术史上的“但丁”。
他一生完成了许多壁画，作品最大的特点是依照生活中的模特儿作画，笔下人物生气勃勃，不仅有血有肉，并且有丰富的感情，而且同时作品上开始出现了背景。
他的主要代表作是《逃亡埃及》、《犹大之吻》、《圣母子》等。
《犹大之吻》被誉为14世纪文艺复兴美术最辉煌的杰作，描绘了犹大出卖耶稣，罗马官兵以犹大和耶稣接吻为暗号而逮捕耶稣的故事。
画中耶稣临危不惧，镇定安详，与叛徒犹大的丑恶嘴脸形成鲜明对照。
《逃亡埃及》则像是一幅农家生活中的场景，没有过去那种宗教神秘感。
乔托的艺术创作不仅对14世纪意大利文艺复兴美术影响极大，后来的马萨桥、达芬奇、米开朗基罗等都十分重视向他学习。
乔托创立的现实主义原则超越了一般技法范畴，具有典范意义。
杜桥（Duccio)作为西埃那派的创始人，绘画风格上与佛罗伦萨派不同。
他的作品成秀丽多姿面貌，用色精细，线条优美，在写实方面略逊于乔托。
代表作有西埃那教堂的主祭坛画。
进入15世纪，意大利的美术得到更进一步发展，出现了较多画派，但佛罗伦萨派仍占有主导地位，在建筑、雕塑、绘画方面形成了新的美术高潮，标志着早期文艺复兴的到来。
建筑家布鲁内莱斯基、建筑家多那泰罗、画家马萨桥就是其中的三个代表人物。
布鲁内莱斯基曾赴罗马专门考察古典遗迹。
他在建筑中继承了古典建筑开朗和谐的风格，充分运用古典柱式，设计了一批代表文艺复兴成就的建筑作品。
代表作品为佛罗伦萨大教堂。
代偶素家多纳泰罗的雕塑脱离建筑而存在，人物富有世俗精神，并在技巧构图上都有大胆尝试。
其作品《大卫》是文艺复兴第一件全身裸体像，准确表现了人体结构，反映了市民的进取精神和人文主义思想。
马萨乔是一位继承乔托画风，向自然学习，在绘画上取得了突破性成就的画家。
他笔下的人物有着鲜明的时代特色，生气勃勃，富有自信心，画面上人物之间的关系更加密切。
同时，他对自然景物的描写也比以前准确地多。
作品《失乐园》成功地刻画出亚当和夏娃在运动中的人体，体积感强，背上的情态表现，烘托出画面的悲剧气氛。
代表作还有《纳税钱》等。
安杰列科是佛罗伦萨派中的抒情画家，他的画轻柔、圣洁，有一尘不染的味道。
对后来的拉斐尔颇有影响。
代表作有《受胎告知》、《圣母加冕》等。
博蒂切利是佛罗伦萨派著名画家，也是意大利15世纪下半期最主要的美术家代表。
他的作品中有贵族化的华丽，半古典半宗教的典雅，新柏拉图主意的哀婉和来自本人气质上的多愁善感。
代表作有《春》、《三王来拜》、《维纳斯的诞生》、《哀悼基督》等。
画风秀逸博雅，色彩明丽绚烂，特别擅长使用流畅轻灵的线条，在文艺复兴画家中独树一帜。
意大利罗马时期的文化艺术
追加
绘画：文艺复兴的绘画是由“神”转为“人”的时代。
在文艺复兴之前教皇统治的“黑暗一千年”里，圣母只是一个僵死的神的符号。
冷面、呆板、拘束、正襟危坐、高高在上。
到了文艺复兴，安吉利科最早把女性生命融入到了圣母的神像中。
他的画采用了马萨乔的光线和明暗透视的新手法，既加入了人的因素，又保持了宗教艺术的传统特色，对后来的画家产生了深远的影响。
“安吉列科的油画《圣母圣子》是文艺复兴早期第一次在作品中加入人的因素——圣母玛利亚的眼神，也第一次在人物的衣着上运用了立体感，目前此画的身价已高达7200万欧元。
熟睡的农妇》这幅椭圆形画描绘了一个熟睡的农妇，是皮阿赞塔在十八世纪初创作的作品。
它属于描绘不同的乡村人物组画（包括《捉跳蚤的农女》、《背萝卜篓的农人》、《抱萝卜的农女》）中的组成部分，精确的明暗对比法，是所有这些作品的共同点，似乎替代了现实中的各种颜色。
在这幅画上，背景值得品味，运动似乎业已平静。
特别是照亮少女脸部和胸部的光线，从侧面射出，强烈且奇特。
而衣服的碧绿色也要端赖细察，方可发觉。
米开朗琪罗的《耶稣下十字架》第一次将耶稣的躯体画成有柔软度的，因为作者觉得耶稣是神不是人，灵魂上天后，他的尸体就应该是软的，用彩陶浮雕的手法，生动表现了耶稣走下十字架回归人间的场景。
文艺复兴时期是一个艺术界群星荟萃、流派纷呈的时代。
在三个多世纪的发展和变革中，先后涌现出佛罗伦萨画派、罗马画派、威尼斯画派、热那亚画派和那不勒斯画派等不同风格的艺术流派。
建筑：对建筑的比例有强烈的追求，例如必须是3和2的倍数使用对称的形状，集中式恢复“自然”，以尺规作图制图，以圆形和正方形为主反对哥德式建筑文学：各地的作家都开始使用自己的方言而非拉丁语进行文学创作，带动了大众文学，替各种语言注入大量文学作品，包括小说、诗、散文、民谣和戏剧等。
在意大利，文艺复兴前期出现了“文坛三杰”。
但丁一生写下了许多学术著作和诗歌，其中著名的是《新生》和《神曲》。
彼特拉克是人文主义的鼻祖，被誉为“人文主义之父”。
他第一个发出复兴古典文化的号召，提出以“人学”反对“神学”。
彼特拉克主要创作了许多优美的诗篇，代表作是抒情十四行诗诗集《歌集》。
薄伽丘是意大利民族文学的奠基者，短篇小说集《十日谈》是他的代表作。
代表人物：诗人：但丁、彼特拉克；作家：薄伽丘、马基雅维利;画家：乔托、波提切利、列奥纳多·达·芬奇、拉斐尔、提香；雕刻家：米开朗基罗；建筑师：伯鲁涅列斯基；音乐家：帕莱斯特里那、拉索等。
用一段优美语句来描写教堂
法国斯特拉斯堡堂的玫瑰窗哥特式的特点是尖塔高耸、尖形拱大窗户及绘有圣经的花窗玻璃。
在设计中利用尖肋拱顶、飞扶壁、修长的束柱，营造出轻盈修长的飞天感。
以及新的框架结构以增加支撑顶部的力量，使整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空阔空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛。
教堂的平面仍基本为拉丁十字形，但其西端门的两侧增加一对高塔。
描写意大利的文章
赞美意大利 世界上有几个国家可以像意大利那样如此华丽典雅又如此时尚动感
中年妇女穿着Missoni彩条衫，坐在路边悠闲地喝着全世界最正宗的espresso；年轻女孩子踩着Tod’s平底鞋，开着敞蓬 HYPERLINK ferrari跑车一阵风似地驰过有六百多年历史的米兰广场；深巷里年迈的工匠叮叮当当地敲打出米兰秀台上最耀眼的小牛皮靴；就连街上巡逻的警察，身上的制服也出自大牌Emilo Pucci。
意大利人的时尚优越感来自血液和思维，对设计和工艺的认真执着几乎到了不可一世的地步。
法国的莫里哀曾提出吃是为了活着还是活着是为了吃的问题，而意大利人却信奉一顿晚餐不比一首好诗价值更低的真理。
意大利美食的一端如同自己的文化，高贵、典雅、独特，另一端又以亲切平和的姿态努力向全世界平民的餐桌进发。
幸与不幸的是，意大利的美食文化常常遭入乡随俗地改写，历史悠久的意式美味似乎成了星巴克咖啡上的一抹奶油，中餐馆里的挂面顶着番茄酱，或是必胜客里被装点得面目全非的Pizza，不过也正是这些成就了意大利美食的全球知名度。
单是古罗马文化和文艺复兴这两件瑰宝，达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的大名及作品[很多不具备扫盲级艺术常识的人还是少装样的好] 就够得上令全世界疯狂崇拜了，甚至全世界都在随口引用着“条条大路通罗马”、“罗马不是一夜建成”这些深入人心的硬道理。
爱上意大利，就像爱上一个优美雍容深邃的气质男人。
罗马假日主要说的是什么故事
《罗马假日》（Roman Holiday）是美国派拉蒙公司在1953年拍摄的浪漫爱情片，主要讲述了一位欧洲某公国的公主与一个美国记者之间在意大利罗马一天之内发生的浪漫故事。
影片由格利高里·派克和奥黛丽·赫本联袂主演，取得了巨大的成功，成为好莱坞黑白电影的经典之作。
奥黛丽·赫本也因该片获得了奥斯卡最佳女主角奖。
安妮公主作为王位继承人将出访欧洲的各大城市。
消息一经传出便引起了极大的轰动。
安妮公主欧洲之行的最后一站是罗马，安妮公主很想尽情地饱览一下罗马的优美风光，可侍从们以公主身份高贵、不宜在黎民百姓面前抛头露面为由拒绝了，并给她注射了镇静剂。
公主在药效发作前假装睡着了，待侍从们出去后，她偷偷越窗溜了出来。
然而没逛多久，镇静剂的药效就产生了作用，使公主在广场附近喷水池边的一条长椅上迷迷糊糊地睡着了。
与此同时，美国新闻社的穷记者乔·布莱德里恰好经过这里，乔刚刚从朋友那里打牌归来，以为这是一个在狂欢中被灌醉的少女，就租了一辆出租车想把她送回家。
可是公主睡得特别沉，怎么也叫不醒，无奈之下，乔只好把她带回了自己的住所，并对她睡自己的床感到不满，于是将安妮公主放到了沙发上。
第二天，报纸上的特别公告使乔意识到他带回的少女就是安妮公主，于是他欣喜若狂，打算写一篇关于公主内幕的独家报道。
公主醒后发现了陌生的乔，乔连忙解释，公主才安心了。
她向乔借了一些钱，然后告别了他，又到罗马大街上闲逛了。
乔赶忙给他的摄影师朋友欧文打电话，让他准备好。
同时自己跟踪公主，在西班牙广场上佯装和她偶遇，便自告奋勇地要为公主做导游，骑着摩托车带着她游览罗马城，同时，欧文也驾驶着小汽车跟在他们后面，拍下了许多珍贵的镜头。
然而这一切，公主浑然不觉。
公主的失踪引起了官员和侍从们的惊慌，国王秘密派出了许多便衣四处寻找公主的下落。
便衣在乔领着公主来到水上舞厅参加舞会时发现他们了，他们请公主和他们回去，而公主坚决不肯，便衣们要强行绑架她回去，乔和欧文同他们厮打起来，而任性调皮的公主也大打出手，十分开心。
趁着混乱，乔带着公主逃之夭夭，而那些便衣们却被当地警察抓走了。
一天过去了，公主终于要回宫了，可此时她和乔发现彼此间擦出了爱的火花，坠入了情网。
怎奈公主毕竟是公主，平民终究是平民，两人只能依依惜别。
乔的朋友欧文在和公主握手后决心抛弃功成名就之良机，将照片送予公主留念。
最后，在深情的四目对望中，公主轻轻地对乔说了声再见......
希腊罗马精神及对后世的影响
请详细一些
西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾被古埃及雕塑深深的影响过，所以让我们先来回顾一下古埃及的雕塑。
大约在公元前4000年左右，埃及的雕塑突然兴盛起来，并且形成了人类雕塑史上的第一个全盛时期。
占埃及雕塑有着准确的造型、风格化的语言和相当内在而神秘的精神风貌。
在古王朝时期出现了大量纪念碑似的雕塑，有的甚至是可以令全人类为之骄傲的杰作，最有代表性的是吉萨的狮身人面像，它有20米高50多米长，仅面孔就高达5米，它和临近的金字塔一起构成了建筑之谜。
它在造型上服从于“正面律”程式，似乎是一个狮身人面，带着国王的头巾，与某位法老的肖像比较接近，它是当时埃及雕塑具有祭祀和宗教功能的反映。
它和别的法老肖像一样在形式上给予人的印象是：庄严、雄伟、浑厚、稳固、犹如不可动摇的大山. 无论是狮身人面像、法老的肖像、或是别的古埃及雕塑，它们都是恒古不变的遵循着“正面律”的程式，透过它们，我们可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”。
而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。
希腊雕塑家创造了越来越凭艺术家灵性和天赋使雕塑作品达到新颖活泼的形式，并一点一点的从平面趋向小的起伏。
尽善尽美的境界。
于是给我们留下了《掷铁饼者》、《米洛的维纳斯》等写实性雕塑的千古典范。
古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段：古风时期、古典时期、希腊化时期。
在“古风时期”希腊雕刻处于“摸索”阶段，它借用埃及雕塑的“正面律”法则来制作人像，形成了“古风”程式，这一时期的雕像形体大都比较古措、僵直，雕像的重心总是落在双足之间。
到了一批制作于公元前五世纪的青年裸体立像被发现时，人们看到旧的程式被突破了，人体的重心落在了一只脚上，整个人体因而放松，显得自然、真实。
于是这一批青年裸体立像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。
“古典时期”即希腊雕刻的全盛时期，这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”，追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。
在文化史上通常把从从亚历山大远征远征开始到埃及托勒密王朝臣服于罗马帝国的历史阶段称为“希腊化时期”。
“希腊化时期”的题材相当丰富，出现的地区也十分广泛，从某种意义上讲形成了一种文化的扩张，其影响覆盖了整个欧洲，并且成为了整个西方艺术的奠基，其崇尚客观真实之美的文化便是西方文明讲究思辩性、讲究客观之真的最初体现。
希腊雕塑创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。
反过来说崇尚裸体的风俗也给厂写实雕塑语言的发挥以淋漓尽致的机会。
在希腊被罗马帝国征服以后，西方的文化艺术中心由希腊转移到了意大利早期的城市，罗马人虽然征服了希腊的国土，但在文化上它却是一个被征服者。
罗马人大量的复制和学习希腊的雕塑，今天所遗留下来的一些古希腊雕塑都是罗马时期的摹制品。
罗马雕塑沿袭了希腊雕塑追求“真实之美”的传统，但比希腊时期的雕塑更加的世俗化，在罗马时期许多军事家或政治家都要求雕塑家为他们塑造肖像，甚至罗马人还经常性的用雕塑来留存死者的形象。
这客观的在写实的道路是又迈出了坚实的步伐。
罗马雕塑的成就主要是表现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上，这些肖像雕塑不仅形似，同时还十分的讲究表现人物的性格特征。
比较著名的有《奥古斯都全身像》和《卡拉卡拉像》。
此时在纪念性雕塑上以宏伟和庄严取代厂过去的优美典雅。
随着公元五世纪西罗马帝国的灭亡，开始了被后人称之为黑暗的中世纪，它在15世纪的意大利文艺复兴的黎明前结束。
中世纪的到来标志着西方进入了基督教时代。
这一时期宗教对雕塑产生的很深的影响，墓督教的禁欲主义思想影响了雕塑家创作灵感。
当时的雕塑作品大多是带有浓厚的禁欲主义色彩，艺术中所体现的宗教精神倾向在中世纪达到丁顶点。
在墓督教精神的哺育之下，哥特式艺术取得了辉煌的成就，哥特式艺术成为完全为上帝歌颂光荣的文明信仰的反映。
早期的杰山典范有巴黎圣母院和沙特尔大教堂。
也许正是由于中世纪雕塑长期受到桎梏和压抑才会产生十五世纪出现的之艺复兴的非凡的爆发力。
从十四世纪起，在意大利，由于人对自身价值的重新肯定和对世界的发现导致了文艺复兴运动的发生。
在这一时期，艺术家们将人作为了自己美学象征和追求的对象。
在十五到十六世纪的上半叶这种思想得到发展与传播，从而彻底的改变了欧洲的面貌。
许多雕塑大师在这时相继涌现。
比如多那太罗、米开朗基罗、博隆那等，文艺复兴的雕塑以共完美 的技巧、宏伟的气魄和深刻的思想标志着欧洲雕塑史上继希腊罗马以后的第二个高峰，米开朗基罗则是文艺复兴时期最重要的雕塑家。
他的一身创作了无数艺术精品构成了这一时期的最经典的范式。
十九世纪伟大的雕塑家罗丹曾经总结说“菲底亚斯的雕像由四个面构成，而米开朗墓罗的雕像则由两个面构成。
”米开朗基罗作品的形体构成变化不是轻微的而是激烈而扭曲的。
在创作中米开朗基罗强调遣“应该用眼睛而不是手去测量，因为手只会制作，而眼睛才会判断。
”米开朗基罗的作品中流露出强烈的人文主义色彩，特别是他后期的作品运用强烈对比的造型来宣泄内心悲愤的倾向越来越明显。
1520年左右到十六世纪末出现了风格主义，该时代艺术家们缺乏个性，缺乏创造性，一味的创作出一套完整的雕塑范式，摹仿前人的样式，使它成为了文艺复兴这一辉煌时代的后继衰落阶段。
此后罗马出现了巴洛克风格的艺术，巴洛克艺术盛行于十六世纪末和十七世纪的欧洲。
它通过绘画、建筑构成了一种潮流，推进了欧洲的文明。
这时最为重要的雕塑家是贝尼尼，他以几乎可以乱真的写实技巧被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”。
贝尼尼的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加的复杂，这种“体积”的扭动，夸张的表情，起伏的形体和流畅的线条，使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势，焕发出强烈的艺术魅力。
比较文艺复兴时期的雕塑巴洛克时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉，它广泛的进入人们的生活，更加的世俗化。
在十七世纪同时与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑。
这种风格追求严谨、宏伟的和谐及平直的线条，它正好与巴洛克以曲线为主的形式相反。
十八世纪，在法国宫廷中最先出现罗可可美术。
这种艺术形式在1720年至1760年间得到了充分的发展。
它是从巴洛克背景中自然演变出来的，并自觉脱离了巴洛克风格，罗可可风格的雕塑在气势上不象巴洛克时期的那样有力，它追求纤细柔弱的艺术效果。
罗可可雕塑家的代表人物有法尔孔奈、克洛狄翁等。
在十八世纪中叶新古典主义艺术在罗马兴起，并且迅速扩大到欧洲的其他地方。
该运动寻求以绝对美的理沦为美学理想，来抨击罗可可的肉欲倾向及形式繁琐。
新古典主义雕刻流行于1790年至1840年其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德逊、法国的乌东等。
其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣，他的著名的作品有《伏尔泰像》。
十九世纪，巴黎取代了罗马成为了欧洲的文化艺术的中心。
随着资本主义的繁荣，雕塑艺术的发展也开始多样化，出现了许多流派和主义，除了上一世纪就有的新古典主义外还先后交叉出现了浪漫主义、写实主义。
十八世纪，浪漫主义出现在欧洲，到十九世纪五十年代左右渐渐衰落。
浪漫主义运动宣告丁人与个性先于一切的地位，它以强烈的感觉和想象回答了冷酷的理性王国，表现了对新古典主义的反叛。
它标志着艺术与往昔一切想法的彻底决裂。
浪漫主义雕塑的代表人物是吕德，他是巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑的作者，他以象征的手法使雕塑在表现为正义而战的人民时激情涌动。
还有大卫•安格尔斯和巴地斯特•卡尔波也是浪漫主义的代表人物。
十九世纪五十年代前后，法国的现实主义运动诞生，现实主义是以反对美术院中将艺术置于一些僵死的原则之下为目的，该运动试图使艺术重新接近于日常生活，在现实中寻找灵感去达到艺术理想。
现实主义雕塑家中以罗丹的成就为最高。
在西方的雕塑史上他被视为继米开朗基罗之后的又—巨匠，同时他还在雕塑史上充当厂一个承前启后的角色，是他给辉煌的占典雕塑拉上了帷幕，是他叩响现代雕塑的大门。
从罗丹开始，自古希腊流传下来的这种以尊重客观真实之美为基础的艺术形式墓本—卜达到顶峰，此后的西方艺术家转而追求的是作品所表达的心灵的真实。
我们看到罗丹的人体之所以感动我们的不再是它怎样的逼真，而是透过坚硬的雕塑有一股生命力在向外膨胀，而是那些仿佛颤动的形体激起了我们灵魂的悸动。
罗丹的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。
他的代表作有《思想者》、《吻》、《巴尔扎克像》等。
参考资料：